Luar na Lubre

SI LAS CIUDADES SON LIBROS QUE SE ESCRIBEN CON LOS PIES, la historia de Galicia es una sinfonía surgida de la voluntad de Luar na Lubre.

Y aquí sí que hay que explicarse, porque tenemos la fortuna de disfrutar de uno de los colectivos musicales mas interesantes que pudiéramos soñar, capaces de despertar a los personajes que marcaron la identidad y el devenir y de recuperar los paisajes por los que transcurrió esta historia anterior a nosotros. A fin de cuentas, hoy no existe ningún gallego que no se sienta hijo o hija de Breogán y que no otee el horizonte en la misma dirección y con la misma pasión de Ith, aún a sabiendas que las leyendas populares pueden ser que sí o que no.

Y si no, ¡escucha!... su sonido te empuja y sumerge en las historias más increíbles acontecidas en tierras gallegas y en la imaginación de sus gentes: LUAR NA LUBRE... y, todo ello, en ¡¡décimas de segundos!!... El LUAR rompe la tierra y se percibe un ritmo sordo de percusión profunda que es el pandero del amigo que ya no está, es el sonido del dolmen, el antiguo ritmo de la semilla transformada en la espiga del eterno campesino neolítico que todos llevamos dentro... El LUBRE, bosque sagrado de los celtas que utilizaban que utilizaban para realizar sus ritos.

Y, en su conjunción, un ritmo interminable, el ritmo de mar, olas y mareas, donde la Luna marca el tiempo y se transforma en piedra y se hace ola en los círculos que lo cruzan, aparecen sus misterios ocultos para siempre. Entre el Luar y el Lubre, los círculos concéntricos marcan el ritmo de olas y de mareas, el de la piedra y el tiempo, el de de la vida y la muerte, resurgiendo el principio y fin de la existencia a través del ritmo del agua resbalando sobre la piedra. y, así, entre tanto aldabonazo a la vida, pasan lunas y mas lunas, mientras en el Plenilunio los hombres de los castros, succionaban la cerveza ritual, bailando con un solo pie lanzando aturuxos al aire, mientras una moura peina sus cabellos rubios y una serpiente espera los nueve besos que abrirán el gran tesoro a aquél que sepa descifrar el mensaje de la Luna y tenga la virilidad de pasar las pruebas sin caer en el terror, al tiempo que, desde lo alto, dedica su sonrisa a los Sete Pitos de Ouro.

Es esta otra leyenda de la identidad cultural gallega, siempre presente en los trabajos de profundidad de este grupo coruñés, surgido en 1986 que, siempre ha entendido la música como uno de los factores más importantes para la afirmación del derecho a la diferencia enriquecedora del pueblo gallego. Y, añadiendo influencias positivas y composiciones propias, la identidad musical de su tierra aparece como un tesoro legado y enriquecido: l a hermandad y relación entre los pueblos celtas, el viejo culto al sol, la mujer dueña de la fertilidad, reina del mar y del vientre en la novena ola, otra vez el mar y el pintor Urbano Lugrís, la emigración y el exilio americano, la responsabilidad del presente y la esperanza en el futuro, son temas casi monográficos emprendidos por estos ocho músicos verdaderamente comprometidos con su Galicia hasta límites insospechados en el arte de la música hasta sus primeras obras en la entrada de la década del '90 .

Y, ahora, casi despidiendo el dos mil siete, se embarcan en otra aventura musical apasionante como puedan ser los caminos del final de la tierra, acercándonos las claves de los movimientos que conformaron la identidad gallega, una docena de canciones que aportan una enorme sensación de mar, tierra y belleza, de imágenes sugerentes y cómplices con ellos mismos, porque el hecho de estar situados en uno de los confines más occidentales de Europa, ha marcado el comportamiento de sus gentes y mantenido tradiciones ancestrales.

Canciones como "Britonia" donde una parte de los celtas bretones expulsados de las islas británicas, llegaron a las cosatas gallegas fundando el famoso obispado-provincia; "O son das aguas", un gesto reconocido a las aguas que manan de fuentes y montañas, de los ríos y hasta del cielo; "A barca da pedra" un alalá muy antiguo que narra como la viergen llegó a tierras de Muxía en una barca de piedra; "Os animais" el gran diluvio y el Arca que portaba animales y que navegó y navegó hasta embarracarse en un monte de la actual Noia, una canción de origen irlandés; "María Soliña" uno de los personajes históricos femeninos que fue torturada por la Inquisición y que significó un símbolo ejemplar para el pueblo; y entre otras canciones y piezas tradicionales, "Centeas", un sentido homenaje a las conserveras, rederas, hortelanas y lavadoras comunales, en definitiva, a las mujeres trabajadoras de una Galicia que cambia a pasos agigantados.


Iñaki Peña
Director de "Trébede"
Radio 3 - RNE

Nuria Rial-Soprano

The Spanish soprano, Nuria [Núria] Rial, began her musical formation in Catalonia (where she got the Honour Prize in singing) and after, she continued her studies at the Musikhochschule in Basel with Professor Kurt Widmer, where she gets the “Solistendiplom-gesang” of the Musikhochschule der Stadt Basel. On september 2003, she got the prize “Preis der Helvetia Patria Jeunesse Stiftung”, from “Pro Europa - European Foundation for Culture”. During this period of time, she has completed her musical bagage with the counsel of such important musicians like Gérard Wyss, Leonard Stein, Christophe Coin, Sergio Azzolini, Friedrich Gürter and Oscar Ghiglia.

Nuria Rial's repertoire ranges over a variety of musical styles and genres. She has appeared as a soloist with such orchestras and ensembles as Concerto Vocale, Il Giardino Armonico, Capriccio Stravagante, Concerto Köln, Sinfonieorchester Basel, Zürcher Kammerorchester, Basler Kammerorchester, La Cetra, Barockorchester Basel, El Concierto Español, Orquesta Barroca de Sevilla, Real Filharmonia de Galicia, Orchester der Schola Cantorum Basiliensis, Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, Ricercar Consort, Les Musiciens du Louvre, Akademie für Alte Musik Berlin, L’Arpeggiata, La Petite Bande, Hungarian Symphony Orchestra, La Real Cámara, Al Ayre Español and Orphénica Lyra. Conductors and instrumental players with whom she has worked include René Jacobs, Giovanni Antonini, Attiglio Cremonesi, Philippe Pierlot, Thomas Hengelbrock, Pierre Cao, Emilio Moreno, José Miguel Moreno, Salvador Mas, Antoni Ros-Marbà, Skip Sempé, Howard Griffiths, Carlo Chiarappa, Jan Schultsz, and Paul Goodwin.

Nuria Rial pursues an international career (taking in Latin America and Israel) and has been invited to the major music festivals in Weurope and South America, such as Resonanzen at the Vienna Konzerthaus, Mozart-Tage Luzern, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Zeit Fenster - Biennale alter Musik Berlin, Salzburg Mozart Festival, Festival de Peralada, Montreux Voice & Music Festival, Festival de Musique Ancienne du Ribeauville, Osterklang Wien.

Nuria Rial made her operatic debut at the Innsbruck Theatre, and has also appeared at La Monnaie in Brussels, the Staatsoper Unter den Linden in Berlin, the Théâtre des Champs-Élysées in Paris, and the Grand Théâtre in Geneva.

In her discography is important to mention the two CD’s that she has made with Glossa, the first one with the ensemble Orphénica Lyra conducted by the guitarrist Jose Miguel Moreno, and a second one (Claros y frescos rios), also with the same musician, that has gotten excelents critics from Gramophon, Alte Musik, Klassik Heute, and Goldberg (five stars). She has also registrated for Harmonia Mundi France. She has also sung in many concerts broadcast by the RNE (Radio Nacional de España), Catalunya Música, Bayerischer Rundfunk, DRS (Swiss-German Radio), Schweizer Radio DRS2, ORF 1 (Austria) and RAI (Italy).

Future projects include: Pamina in The Magic Flute at the Teatro Carlo Felice in Genova; Georg Frideric Handel’s Messiah with Thomas Hengelbrock in European tour; Zerlina in Don Giovanni with Sigiswald Kuijken; Jupiter and Semele by Literes with Al Ayre Espanol; G.F. Handel’s Judas Maccabeus in Zürich; a recital at the Konzerthaus in Vienna with Les Cornets Noirs; Georg Philipp Telemann’s Cantatas in Magdeburg and G.F. Handel’s Riccardo I with Kammerorchester Basel; various programs with Arpeggiata.

Passacaglia from King Arthur - Henry Purcell

"El Rey Arturo" es una semiópera, es decir, un espectáculo con números musicales muy refinados y grandes efectos escénicos, donde intervienen personajes mitológicos, pero cuya acción dramática no se interpretaba ni cantaba, sino que se recitaba. El creador de este género, típico del barroco inglés, fue Thomas Betterton, director del Teatro del Duque de Londres.

El autor del libreto de esta ópera es John Dryden y su estreno tuvo lugar en mayo o junio de 1691 en el Teatro de la Reina de Londres. Su éxito fue arrollador, manteniéndose continuamente en cartel hasta mediados del siglo XIX. La trama se basa en las batallas entre los británicos liderados por el Rey Arturo y los sajones, en lugar de las leyendas de Camelot (aunque Merlín hace una aparición). Se trata de un Espectáculo de la Restauración que incluye a personajes sobrenaturales como Cupido y Venus, además hace referencia a los dioses germánicos de los sajones, Woden, Thor y Freya. El centro de la historia trata sobre los esfuerzos de Arturo por recuperar su prometida, la princesa de Cornualles, Emmeline, que ha sido secuestrada por su archi-enemigo, el rey sajón, Oswald de Kent.

L'Eraclito Amoroso de Barbara Strozzi

George Steiner, uno de los críticos literarios y analistas del arte y de la cultura más relevantes del siglo XX, que fue reconocido recientemente con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, dice en su obra Errata: el examen de una vida:

“Vivir la música”, como la humanidad ha hecho desde sus comienzos, es habitar en un ámbito que, por su propia esencia, nos resulta extraño. Y, sin embargo, es precisamente este ámbito el que ejerce sobre nosotros “una soberanía muy superior a la de cualquier otro arte” (Valéry). Es la música la que puede invadir y regir la psique humana con una fuerza de penetración comparable, tal vez, solo a la de los narcóticos o a la del trance referido por los chamanes, los santos y los místicos. La música puede volvernos locos y puede curar la mente enferma. Si puede ser “el alimento del amor”, también puede abastecer los banquetes del odio. (...)

El fragor de un coro de voces provocan un sentimiento incomparable de comunidad fraternal; propician la oración colectiva y la meditación, paradójicamente acallada por su propio volumen. Pero cuando están ligadas a un himno nacional o guerrillero, al martilleo de una marcha militar, las mismas prácticas corales, en una clave idéntica, pueden desatar la disciplina ciega, la manía tribal y la furia colectiva. Un “solo” que se alza en la oscuridad o en la quietud de la mañana puede transmutar el espacio, la densidad, el curso del mundo. No es únicamente la “música barata”, la cancioncilla facilona del cantante melódico, la melodía basura de la guitarra eléctrica, lo que nos rompe el corazón: es un lamento de Monteverdi, son los oboes en una cantata de Bach, es una balada de Chopin.

Se trata, por lo tanto, de acostumbrar a nuestros sentidos a saber captar la belleza. Para Santo Tomás de Aquino bello es aquello cuya contemplación nos complace. Pero hay que detenerse y contemplar, porque la poesía, la belleza, existen en lo que nos rodea, pero no sabemos apreciarla; y sin embargo, la felicidad consiste en conocer, en saber mirar y también escuchar.

Harmony of voices: Amor "Lamento della ninfa"

CLAUDIO MONTEVERDI

(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera.

Hijo de un médico de Cremona, se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.

Tras seguir a su señor en la campaña contra los turcos en Austria y Hungría, y visitar Flandes, viajes éstos que le permitieron conocer otras escuelas musicales ajenas a la italiana, fue nombrado maestro de capilla de Mantua en 1601, con la función de proveer toda la música necesaria para los actos laicos y religiosos de la corte.

Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. El reto era importante para un compositor educado en la tradición polifónica que hasta aquel momento había destacado en la composición de madrigales a varias voces, pues se trataba de crear una obra según el patrón que Jacopo Peri y Giulio Caccini; ambos músicos de la Camerata Fiorentina, habían establecido en su Euridice, una obra en un nuevo estilo, el llamado stile rappresentativo, caracterizado por el empleo de una sola voz que declama sobre un somero fondo instrumental. Una pieza dramático-musical, en fin, en que a cada personaje le correspondía una sola voz.

Esto, que hoy puede parecer pueril, en la época suponía un cambio de mentalidad radical: el abandono de la polifonía, del entramado armónico de distintas voces, por el cultivo de una única línea melódica, la monodia acompañada. El resultado fue La favola d’Orfeo, composición con la que Monteverdi no sólo superó el modelo de Peri y Caccini, sino que sentó las bases de la ópera tal como hoy la conocemos.

El éxito fue inmediato y motivó nuevos encargos, como L’Arianna, ópera escrita para los esponsales de Francisco de Gonzaga y Margarita de Saboya, de la que sólo subsiste un estremecedor Lamento. La muerte en 1612 de su protector Vincenzo Gonzaga motivó que el músico trocara Mantua por Venecia, donde permaneció hasta su muerte. Maestro de capilla de la catedral de San Marcos, compuso la magistral colección Madrigali guerrieri et amorosi. Las composiciones religiosas ocupan un lugar destacado en su quehacer durante esta larga etapa. También las óperas: en 1637, cuando el compositor contaba ya setenta años, abrieron sus puertas en Venecia los primeros teatros públicos de ópera y, lógicamente, se solicitaron a Monteverdi nuevas obras.

Desde que el músico escribiera Orfeo, el espectáculo había evolucionado considerablemente: de la riqueza vocal e instrumental de las primeras óperas se había pasado a un tipo de obras en las que la orquesta quedaba reducida a un pequeño conjunto de cuerdas y bajo continuo, sin coro; además, la distinción entre recitativo y arioso se había acentuado. A pesar de estas diferencias, Monteverdi supo adaptarse a las nuevas circunstancias con éxito: las dos óperas que han llegado hasta nosotros, Il ritorno d’Ulisse in patria y L’incoronazione di Poppea, son dos obras maestras del teatro lírico, de incontestable modernidad.

Lamento Della Ninfa es uno de los más célebres madrigales del compositor italiano Claudio Monteverdi. Forma parte del octavo libro de madrigales, denominado "Madrigales guerreros y amorosos", recopilación de 1638 que fue dedicada al emperador Fernando III de Habsburgo. Está compuesto para soprano, dos tenores, un bajo, y bajo continuo, y el texto está basado en una canzonetta de Ottavio Rinuccini. 

Esta obra se divide en tres partes. En las secciones primera y tercera el trío de dos tenores y bajo se mueven en el ámbito descriptivo y contemplativo característico del madrigal tradicional. Comienzan con el relato de la joven ninfa que deja su casa para internarse en el bosque clamando desconsoladamente por su amante que la ha abandonado, y finalizan con una moraleja acerca del amor.

La parte central está protagonizada por la ninfa entonando su patético lamento, con un viraje de la tercera a la primera persona, característica del genere rappresentativo muy utilizado por Monteverdi en el octavo libro de madrigales. El carácter teatral es intensificado por las libertades rítmicas que Monteverdi concede a la cantante, “que va cantando siguiendo el tiempo del sentimiento” (“qual va cantato a tempo dell'affetto del animo”), de acuerdo a la indicación del compositor.

Esta libertad rítmica se equilibra con el bajo ostinato, una serie de cuatro acordes descendentes (la, sol, fa, mi) que se repite a lo largo de toda esta sección, y que establece el ordenamiento armónico de toda la pieza.

A la voz de la soprano se suma el comentario de las voces masculinas, que contemplan la escena y se compadecen de la ninfa, repitiendo en forma irregular la estrofa “Miserella, ah più no, no, tanto gel soffrir non può”. De esta manera se establecen dos planos sonoros que subrayan el dramatismo de la escena.

Original en Italiano

Non havea Febo ancora

recato al mondo il dì,

ch’una donzella fuora

del proprio albergo uscì.

Sul pallidetto volto

scorgeasi il suo dolor,

spesso gli venia sciolto

un gran sospir dal cor.

Sì calpestando i fiori

errava or qua, or là,

i suoi perduti amori

così piangendo va:

 

 

«Amor», dicea, e ’l piè,

mirando il ciel, fermò,

«Dove, dov’è la fe’

che ’l traditor giurò?»

Miserella, ah più no, no,

tanto gel soffrir non può.

«Fa che ritorni il mio

amor com’ei pur fu,

o tu m’ancidi, ch’io

non mi tormenti più.

Non vo’ più ch’ei sospiri

se non lontan da me,

no, no che i martiri

più non darammi affè.

Perché di lui mi struggo,

tutt’orgoglioso sta,

che si, che si se ’l fuggo

ancor mi pregherà?

Se ciglio ha più sereno

colei che ’l mio non è,

già non rinchiude in seno

amor si bella fè.

Né mai sì dolci baci

da quella bocca avrai,

nè più soavi, ah taci,

taci, che troppo il sai.»

 

 

Sì, tra sdegnosi pianti,

spargea le voci al ciel;

così nei cori amanti

mesce amor fiamma e gel.

 

Traducción al español

Febo no había todavía

revelado al mundo el día,

cuando una muchacha salió

de su propia casa.

Sobre su pálido rostro

afloraba su dolor,

y a menudo provenía

de su corazón un gran suspiro.

Andando sobre las flores

iba vagando, aquí, allá,

llorando de esta manera

su amor perdido:

 

 

«Amor», decía, deteniendo el pie,

mirando el cielo,

«¿Dónde, dónde está la fidelidad

que el traidor me juró?»

Pobrecilla, no puede más, ay,

ya no puede soportar tanto sufrimiento.

«Haz que vuelva mi amor

tal como antaño fue,

o déjame morir, para que

no sufra más.

No quiero ya que él suspire

sino estando lejos de mí,

no, no quiero

que me dé más dolores.

Pues el saber que por él ardo

satisface su orgullo,

quizá, quizá al alejarme

él, a su vez, empezará a rogarme.

Si ella tiene para él más serena

mirada que la mía,

sin embargo no alberga en su seno

un amor que sea tan fiel como el mío.

Ni tendrá nunca

besos tan dulces de esa boca,

ni más tiernos, ay calla,

calla, él bien lo sabe.»

 

 

Así, entre amargas lágrimas,

llenaba el cielo con su voz;

así en el corazón de los amantes

el amor mezcla el fuego con el hielo.

Wim Mertens - 4 Mains

Cuando todo parece oscuro,
cuando no puedo encontrar la luz,
oigo la música y me olvido de
todas las cosas que me rodean.

Lully. Armide

Armide (LWV 71) es una ópera o tragédie lyrique compuesta por Jean-Baptiste Lully. El libreto, obra de Philippe Quinault, consta de un prólogo y cinco actos y está basado en el poema épico Gerusalemme liberata (Jerusalén liberada) de Torquato Tasso. Fue estrenada el 15 de febrero de 1686 en el Théâtre du Palais-royal de París.

Armide es una ópera en la que el deber militar, auspiciado por la Gloria, escapa a la Pasión. Se considera la obra cumbre de la colaboración entre ambos autores, gestada en el final de sendos periodos de creación: Quinault renunciará al teatro tras esta obra y Lully morirá poco después por una gangrena.

La principal aportación de Lully y Quinault fue la de crear un continuum sonoro en el que se establecen pocas diferencias entre las arias y los recitativos, configurando una forma de expresividad natural muy eficaz a la hora de cautivar a los espectadores que se anteponía al virtuosismo vocal de la ópera italiana. El paradigma de la nueva ópera francesa es el recitativo "Enfin, il est en ma puissance" de Armide.

El tema de la ópera, cuya acción se centra en el asedio de Jerusalén durante la primera cruzada, fue elegido por el mismo Luis XIV, aunque éste no asistió al estreno ni la obra fue representada en la corte. Se repuso regularmente en la Ópera de París entre 1692 y 1766, siendo la reposición de 1745 conjunta con la corte de Versalles. También obtuvo repercusión fuera de las salas parisinas: entre 1686 y 1751 fue representada repetidamente en Marsella, Bruselas y Lyon; y fuera de Francia en La Haya, Berlín, probablemente en Metz y en versión de concierto en Roma en dos ocasiones. Su frecuencia en las parodias teatrales, verbales y musicales, junto a la polémica que giró en torno suyo en la Querella de los bufones, confirman su perdurable popularidad en todos los niveles sociales.

Gluck realizará su ópera homónima tomando el libreto de Quinault de manera prácticamente íntegra en 1777.

Andreas Sholl y Philippe Jaroussky, los mejores contratenores de nuestra época

Andreas Scholl es un contratenor alemán nacido el 10 de noviembre de 1967 en el seno de una familia de cantantes en la región de Wiesbaden (capital de Hesse, a 30 kilómetros del centro de Frankfurt am Main (o "Fráncfort del Meno", en español).

Su formación musical desde la infancia, de manera natural y precoz, le dotará de la profunda comprensión musical que le caracteriza como intérprete. Educado en el canto por sus propios padres y a través de su participación como niño de coro en diversos conjuntos, tanto en la iglesia como en la escuela, a los 13 años, durante su cambio de voz, continuó cantando de manera natural como contralto, sin haber tenido mayores dificultades para mantener su registro infantil. Este proceso gradual, según el propio Scholl, ha facilitado su técnica, y ha sido reproducido por varios contratenores de generaciones posteriores.

Su formación vocal adulta siguió la estela de los grandes de la cuerda de contratenor en aquel momento (James Bowman y, sobre todo, Renè Jacobs, de quien Scholl es considerado el principal discípulo en la mítica Schola Cantorum Basiliensis). En la actualidad, Scholl es profesor en dicha institución.

Scholl debutó en 1993 con la Pasión según San Juan, composición de Johann Sebastian Bach, siendo apadrinado por su maestro Jacobs. Esta actuación impactó profundamente a William Christie quien, de manera fortuita (se encuentran casualmente en un tren entre Caen y París), lo recluta para grabar, al lado de su prestigiosa formación Les Arts Florissants, la ya legendaria versión de El Mesías, de Georg Friedrich Händel (1994), recientemente reeditada.

Desde entonces, Scholl no ha abandonado la primera fila en la interpretación historicista, colaborando con los más prestigiosos directores y grupos, y convirtiéndose en un docente de muy alto nivel.

Para muchos se trata del contratenor más importante del mundo. Su doble faceta de cantante-profesor ha facilitado que su influencia se haya extendido por todo el planeta, y le ha reportado un merecido prestigio. Siempre alineado con el "núcleo purista" de la interpretación histórica, su carrera ha estado vinculada siempre a la música de Händel y Bach, especialmente la de este último. Scholl es considerado, con justicia, uno de los mejores cantantes en el repertorio de Johann Sebastian Bach, cuya música se adapta como un guante a su fraseo ligero y su inteligente canto.

De voz fina, sutilmente afalsetada, quizás más artificial que la de otros ilustres colegas/rivales, pero con una pureza que no tiene parangón, Scholl ha dejado deliberadamente en manos de sus "rivales" el repertorio más operístico, centrándose inteligentemente en la música sacra centroeuropea, en la cual es referencia obligada.

Philippe Jaroussky (contratenor). Es sopranista y contratenor francés. Estudió violín, piano, armonía y contrapunto en el conservatorio de Versalles. En 1996, comenzó sus estudios de canto con Nicole Fallien y los continuó en el Departamento de Música Antigua del Conservatorio de París con Michel Laplenie, Kenneth Weiss y Sophie Boulin. Recibió su diploma como violinista de la Facultad de Música Antigua del Conservatorio de París.

Philippe Jaroussky actuó por primera vez en 1999 en el Festival de Royaumont. En este mismo año, intervino en el oratorio de Scarlatti Sedecia en los festivales de Royaumont y AMBRONAY con Il Seminario Musicale y Gérard Lesne (CD en Virgin Classics). Con la Grande Ecurie et la chambre du Roy, dirigida por Jean-Claude MALGOIRE, participó en la trilogía de Monteverdi (Orfeo, Il Ritorno di Ulisse y L'Incoronazione di Poppea) y en 2001 cantó el papel de Arbace en Catone in Utica de Antonio Vivaldi , así como el Nisi Dominus del compositor venciano y el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi. En 2003, apareció como Nero en el Théâtre des Champs Elysées' en Agrippina Georg Frideric Handel.

Philippe Jaroussky colabora frecuencuentemente con Jean Tubéry y el conjunto La Fenice para los que ha grabado La Morte Delusa de Giovanni Battista Bassani y un Concert chez Mazarin (Virgin Classics). Para el conjunto Matheus, dirigido por Jean-Christophe Spinosi, ha grabado La Verità in Cimento (Opus 111) así como el papel de Ruggiero en el Orlando Furioso en una actuación en el Théâtre des Champs Elysées para el sello Naïve. Con Gabriel Garrido y el Ensemble Elyma ha grabado la [[Incoronazione di Poppea]] y la [[Selva Morale e Spirituale]] de Monteverdi.

Philippe Jaroussky se caracteriza por una técnica virtuosista de melisma para animar y obligar a la interpretación de cantatas barrocas y la ópera. Esto ha contribuido a su inusual repertorio de reactivación. Él canta bien con violines de Vivaldi (y conjuntos). Recibió en 2007 premio al mejor artista lírico francés.

Actualmente, la presentación de una serie de recitales con su propio conjunto, Artaserse, ha interpretado a Telémaco en Ulisse con René Jacobs en la Staatsoper de Berlín y a Eustazio de Rinaldo en la Vlaamse Opera dirigido por Andreas Spering.

Philippe Jaroussky fue el primer considerado del disco para el sello Ambroisie con obras de Benedetto Ferrari. Ha recibido la aclamación de críticos, ganando el Diapason Découverte, recommande de Repertorio, Timbre de Platine d'Ópera Internacional, Prix de l'Academie Charles Cros, el Gran Premio del Sindicato de la crítica, etc. Su primer disco, como exclusiva para Virgin Classics, se compone de cantatas para contralto y conjunto de Antonio Vivaldi.

De acuerdo con La Terrasse, "este joven cantante, con el tono de un ángel y el virtuosismo del diablo, ha entrado en el centro de atención en sólo unos pocos años como el nuevo gran talento vocal francés".

Aunque él mismo se denomina contratenor, su voz mezcla la bravura de un hombre y la dulzura y delicadez de una mujer. Mucha gente lo considera un sopranista (Sedecia, de Scarlatti), y, no obstante, la tesitura se acerca más a la voz de una mezzosoprano. Sus agudos son un auténtico «festival de colores y variedades». Podríamos considerar una buena referencia de lo que fueron las voces de los castrati.

Max Richter - The Nature of Daylight

Max Richter trained in composition and piano at University of Edinburgh, the Royal Academy of Music, and with Luciano Berio in Florence. After finishing his studies, Richter co-founded the contemporary classical ensemble Piano Circus, where he stayed for ten years, commissioning and performing works by Arvo Pärt, Brian Eno, Philip Glass, Julia Wolfe and Steve Reich. The ensemble was signed to Decca/Argo, producing five CDs.

In 1996 he worked with Future Sound of London on their album Dead Cities, initially starting as a pianist but ending up working on several tracks as well as co-writing one track (titled "Max"). Richter subsequently collaborated with FSOL over a period of two years, also contributing to the albums The Isness and The Peppermint Tree and Seeds of Superconsciousness. He has also collaborated with Mercury Prize winner Roni Size, with the album In the Mode.

In 2005, Richter produced the Vashti Bunyan album Lookaftering. In 2006, Richter's tracks "On the Nature of Daylight" and "Horizon Variations" were used in the movie, Stranger than Fiction.

In 2007, Richter worked on Waltz with Bashir an animated documentary by Ari Folman. His first U.S. performance was on November 28th at the Good-Shepherd Faith Church, New York, as part of the Wordless Music Series. In September 2008, Richter released his fourth solo album, 24 Postcards in Full Colour. The album is an experimental collection of miniatures for mobile phones. The pieces are a series of variations on the basic material, scored for strings, piano and electronics.

In 2008, Richter produced the Kelli Ali album Rocking Horse. In 2009, Richter composed the scores for Feo Aladag's 2009 film Die Fremde and for Renato De Maria's film La Prima Linea.

Memoryhouse, Richter's long out of print debut album will be reissued on November 3, 2009. The album was recorded by Richter with the BBC Philharmonic Orchestra.

Ludovico Einaudi

Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre 1955) es un compositor y pianista moderno que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones para piano. Representa uno de los grandes éxitos de la música clásica contemporánea de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, también por los conciertos realizados por todo el mundo.

De niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.

Ha realizado bastantes trabajos para el mundo del cine, recibiendo varios galardones internacionales : Grulla de oro por la banda sonora de Acquario en 1998. Echo Klassik por la banda sonora de Fuori dal mondo en 2002. Mejor banda sonora en los premio de la música italiana en 2002 por. Mejor banda sonora en el Festival de Aviñón en 2004 por. Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: “En general no me gustan las definiciones, pero ‘Minimalista’ es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa”

Holden

Holden es un dúo francés formado por el guitarrista Dominique Dépret (conocido bajo el seudónimo de Mocke) y Armelle Pioline (como referencia a Holden Caulfield). En 1997 vuelven de Dublin donde residieron por 4 años y registran sus primeros demos tras encontrar al baterista Pierre-Jean Grapin, a Evan Evans (clavier) y al bajista Richard Cousin. Juntos graban el disco L’Arrière-Monde en 1998 bajo el sello independiente Lithium . Un tercio de los textos es en inglés, mientras que el resto del disco viene en francés.

Animado por el trabajo de artistas tales como Dominique A (et son album La Fossette ), el grupo decide asumir el uso del francés en sus composiciones. En 2001 , encuentran el productor Atom (alias de Uwe Schmidt) y le confían la mezcla de sonidos de su segundo álbum Pedrolira (2002 , Village Vert ). Reside en Chile y el grupo descubre una cierta afinidad con el país. Su primer disco fue distribuido por la disquera independiente Combo Discos, propiedad del grupo Pánico, actualmente avecindados en Francia.

En 2003 Holden aparece en una escena de la película Violence des échanges en milieu tempéré de Jean-Marc Mouthout . El grupo también tiene la oportunidad de registrar música para la película Parentesis de Pablo Solis. Richard Cousin se va de la banda y forma Overhead en 2004; el bajista Cristobal Carvajal se integra al grupo completando el quinteto.

El álbum Chevrotine salió a la venta en 2006 y sobrepasó las expectativas, siendo para la prensa francesa uno de los mejores discos deese año.

Jean Baptiste Lully

Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzo de 1687) fue un compositor francés de origen italiano, uno de los introductores de la ópera en Francia.

Nació en Italia (su verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli). Viajó a Francia con 11 años, pues había llamado la atención del Caballero de Guisa, y en 1652, con 20 años, entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. Más tarde dirigió una de las orquestas reales y en 1662 fue nombrado director musical de la familia real. Sobresalía por entonces como violinista, director y compositor. A los 29 años se había casado con la hija de Michel Lambert, compositor y alto funcionario de la Corte. Cortesano astuto, consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida, lo que le permitió manejar la suerte de otros compositores franceses. Compuso ballets, como Alcidiane (1658), para la corte, que en ocasiones él mismo interpretaba ante el rey.

En colaboración con el escritor francés Molière (Jean Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos, como Les fâcheux (1661), Le mariage forcé (1665) y Le bourgeois gentilhomme (1670). Se hizo prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV. En 1672 consiguió mediante intrigas el puesto de director de la «Académie royale de musique» y a partir de ese momento volcó su atención en la ópera.

El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con numerosas propiedades en París y en sus alrededores. Sus óperas (a las que denominaba tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus contemporáneos, los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine. Excepto en Psique (1678), Belerofonte (1679) y Acis y Galatea (1686), su libretista fue el poeta Philippe Quinault.

Desde el punto de vista musical, sus óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour (ballet cortesano). Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Entre sus obras cabe citar Perseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada Acis y Galatea. La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo con acompañamiento artístico. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban.

También estableció la forma de obertura francesa. Lully evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o Francesco Cavalli hasta una perfecta asimilación del estilo y del gusto franceses. Lully dominó toda la vida musical en Francia en la época del Rey Sol. Fue creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la «tragédie lyrique», el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue grande. Tras su llegada a Francia en 1643, entró como ayuda de cámara al servicio de Mademoiselle de Montpensier, que deseaba perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana.

A la edad de 13 años, ya manifestó serias dotes para la música, y así aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un excelente bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, que se componía de 24 instrumentos. En 1653, Lully bailó con el rey: el Ballet de la Nuit. Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits Violons. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se convirtió en el primer compositor de la corte, y sus aires y bailes consagraron su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de cámara y finalmente Superintendente Real de la Música. Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine Lambert, cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.

A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, creando el género de la comedia ballet, sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos. Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la «Académie royale de musique». Colmado de honores y riquezas, compuso entonces una ópera al año más o menos, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época: Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault. En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del rey.

Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella; esto le provocó una infección que acabó lentamente con su vida. La fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y escénica.

Philip Glass: violin concerto 2nd movement

Philip Glass (Baltimore, 31 de enero de 1937) es un compositor estadounidense de música minimalista. Nació en Baltimore y de niño estudió flauta en el conservatorio Peabody. Más tarde asistió a la escuela de música Juilliard, donde empezó a tocar casi exclusivamente el piano.

Philip Glass es nieto de inmigrantes judíos originarios de Lituania. A los 15 años comenzó un curso acelerado en la Universidad de Chicago donde estudió matemáticas y filosofía. A los 19 años obtuvo su diploma y entró a la Juilliard School de Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud. De 1963 a 1965 partió a estudiar a París con Nadia Boulanger en el Conservatorio americano de Fontainebleau el análisis de composiciones de Johann Sebastian Bach (El clave bien temperado), Mozart (los conciertos para piano), y Beethoven. Glass descubre asimismo el serialismo de Pierre Boulez, pero afirmó que no le produjo « ninguna excitación». Este periodo en París le sirvió para descubrir el teatro de Jean-Louis Barrault en el Odéon y la Nouvelle Vague francesa.

Tras estudiar con Nadia Boulanger y trabajar con Ravi Shankar en Francia, Glass viajó en 1966 al norte de la India, principalmente por razones religiosas, donde entró en contacto con los refugiados tibetanos. Se hizo budista y conoció al Dalái Lama en 1972, así como al poeta Allen Ginsberg. Es un gran defensor de la causa tibetana. Fue su trabajo con Ravi Shankar y su percepción del ritmo aditivo en la música india, lo que le condujo a su singular estilo. Cuando volvió a casa, renunció a todas sus composiciones anteriores al estilo de Darius Milhaud y de Aaron Copland y empezó a escribir piezas austeras basadas en ritmos aditivos y con un sentido del tempo influenciado por Samuel Beckett, cuyo trabajo descubrió componiendo para obras de teatro experimentales.

El poco aprecio que siente hacia los intérpretes y los espacios tradicionales lo llevan a formar su propio grupo musical, el Philip Glass Ensemble, con el que empieza a tocar principalmente en galerías de arte y otros ambientes underground. Estos tiempos durísimos, que abarcaron casi la totalidad de la década de los 70, le obligaron a trabajar como taxista y reparador de electrodomésticos a la vez que componía e interpretaba. La música de esta primera época es extremadamente repetitiva, austera y complicada para el oyente, lo que le supuso una gran incomprensión por parte de la crítica y el público. El propio Glass comentaba que cuando alguien del público se quedaba hasta el final, le invitaban a cenar. Sólo empezó a ser reconocido a partir de su colaboración con el escenógrafo, también minimalista, Robert Wilson, con quien realizó la ópera experimental Einstein on the Beach, un alegato antinuclear con libreto escrito por un psicótico donde cada elemento clásico del género operístico es renovado y alterado de modo consciente. Aun así, a pesar del relativo éxito de la obra, tiene que seguir trabajando como reparador durante un tiempo antes de poder dedicarse totalmente a la música. Habitualmente Philip Glass rehúsa encuadrar sus creaciones dentro del estilo minimalista, definiéndose a sí mismo como un compositor de música con estructuras repetitivas.

La realización de nuevas óperas así como una dulcificación de su estilo a principios de los 80, más accesible para el gran público, hizo avanzar la fama de Glass, así como su relevancia dentro de la cultura musical alternativa. Los primeros escarceos con músicos pop (como Mike Oldfield en su LP Platinum, donde interpreta una pieza de Glass) contribuyeron a darle a conocer en círculos más amplios. Es posible que la fama a nivel mundial y cierto status de genio le llegara a través de la película experimental Koyaanisqatsi, dirigida por Godfrey Reggio y producida por Francis Ford Coppola. A pesar de su fama, su reconocimiento como compositor no es unánime; algunos melómanos e incluso varios compositores contemporáneos suyos tales como Ned Rorem o Milton Babbitt, cuestionan su obra por falta de rigurosidad y consideran su música empalagosa y superficial.

Durante el resto de los años 80 siguió produciendo música en solitario y con su grupo pero no escatimó en colaboraciones con otros músicos, tanto pop como minoritarios o de otras culturas, y en la realización de música de cine. Desde entonces y hasta la actualidad Glass ha orquestado algunas partes instrumentales de los discos de David Bowie Low y Heroes (Low Symphony y Heroes Symphony) así como muchas películas; el biopic dirigido por Errol Morris A Brief History of Time (basado en el libro divulgativo de física de Stephen Hawking); Mishima, de Paul Schrader o Kundun, de Martin Scorsese.

Ya en los años 90 Philip Glass adquirió fama universal. Asimismo, su música durante todo este periodo se ha alejado cada vez más del minimalismo y de sus planteamientos personales iniciales para llegar a posturas más comerciales y llenas de clichés «glasianos», como sus característicos arpegios o transiciones tonales.

Trabajos notables

• Einstein on the Beach (ópera, 1976)
• Satyagraha (ópera, 1980)
• Glassworks (1982)
• The Photographer (1982)
• Akhnaten (ópera, 1983)
• Koyaanisqatsi (BSO, 1983)
• Mishima (BSO, 1984)
• The making of the representative for Planet 8 (ópera, 1985–1988)
• Anima Mundi (BSO, 1992)
• Orphée (ópera, 1993)
• La belle et la bête (ópera, 1994)
• El agente secreto (1996) En su página oficial
• The marriages between zones three, four, and five (ópera, 1997)
• Heroes Symphony (1997)
• Kundun (BSO, 1997)
• The Truman Show (BSO, 1998)
• Music with Changing Parts
• Music in Twelve Parts
• Hydrogen Jukebox (libreto de Allen Ginsberg)
• Las horas (BSO, 2002)
• El ilusionista (2006)
• Diario de un escándalo (BSO, 2006)
  

L. Subramaniam

Emperador del violín

El violinista hindú L. Subramaniam representa la serenidad de un músico hindú, combinada con el magnetismo de una estrella occidental" y, desde muy joven, alcanzó el título de '"iolín Chakravarthy" (Emperador del violín)

GLOBAL FUSION es un disco con gran intensidad musical, contenido y belleza fuera de lo común, con estilos de tradiciones más orientales que occidentales, pero ambos compartiendo el mismo pentagrama bajo la premisa de que la música es el lenguaje universal .

GLOBAL FUSION contiene como obra integral mensajes de armonía que traspasan ritmicamente las barreras políticas y el racismo incivilizado que aún caracteriza a la humanidad de fin de milenio. El Dr. Lakshminarayana Subramaniam, es el violinista hindú con mayor renombre internacional al ser considerado como uno de los intérpretes más extraordinarios de los últimos tiempos, también se le conoce como el "Paganini de la India". Se caracteriza por ser el único capaz de resaltar con excelencia en diferentes géneros, desde la música clásica hindú, pasando por el jazz fusión hasta los clásicos de Occidente. En su fructífera carrera ha trabajado con personalidades como: Sir Yehudi Menuhin (a quien está dedicado este disco), Zubin Mehta, Miles Davis, Chick Corea, entre otros. Ha compuesto la música de soundtracks de películas como Salaam Bombay, Little Buddha y Mahabaratha.

GLOBAL FUSION es una completa experiencia musical que rescata raíces de los cinco continentes para mixtificarlos en forma impecable, cuya herencia recuerda los vínculos que han unido a generaciones enteras.

Alfa Rococo. Les jours de pluie

Les journées de pluie ont noirci le décor
Et les nouvelles sont mauvaises encore
Les gens se font beaucoup moins de bien que de tort
Sur tes deux oreilles tu dors encore
Des dizaines de tempêtes ont soufflé
Des éclairs ont tonné par milliers
La rivière a même de son lit débordé
Toi tu devrais peut-être y rester
Rendors-toi

La tourmente est encore au centre de l'histoire
S'ils sont même arrivés à la voir
Que cette chose déchue qu'on appelle l'espoir
Disparaît tranquillement dans le noir
Quand le bleu du ciel sera voilé
Que le soleil ne pourra plus percer
Lorsque ce jour viendra et que je partirai
Crois-moi je te réveillerai
Rendors-toi

Rendors-toi
C'n'est pas encore la fin du monde
Pas encore la dernière seconde
Ce jour de pluie bientôt cessera
Rendors-toi

Les journées de pluie ont noirci le décor
Et les nouvelles sont mauvaises encore
Les gens se font beaucoup moins de bien que de tort
Sur tes deux oreilles tu dors encore
Si les pleurs sur les joues ont coulé
Et le temps plus rien ne peut changer
Lorsque ce jour viendra et que je partirai
Crois-moi je te réveillerai
Rendors-toi

C'n'est pas encore la fin du monde
Pas encore la dernière seconde
Ce jour de pluie bientôt cessera
Rendors-toi

TIKEN JAH FAKOLY

Compromiso y amor puros por África

Cantante comprometido donde los haya, TIKEN JAH FAKOLY, alias Doumbia Moussa se ha erigido como la gran figura emergente del reggae africano, siguiendo la estela de su compatriota Alpha BLONDY.

TIKEN JAH FAKOLY es ante todo un cantante comprometido con su continente. Nunca se ha cortado a la hora de denunciar los abusos de los políticos y las manipulaciones de las multinacionales en África, y particularmente en su país Costa de Marfil, que ha vivido desde la caída del Presidente Houphouët Bouagny (figura del país que no duda tampoco en criticar, erosionando la imagen de Padre de la Nación que se cuidó de dejar) caos político, segregación racial, desorden público, decadencia económica, crisis de esperanza. Este compromiso abnegado le ha valido numerosos problemas y amenazas físicas, por no decir intentos de asesinato. Cuando se le quemaron su casa, decidió exiliarse.

Dio su vida al reggae y el reggae se le salvo su vida en más de una ocasión… Por ejemplo, cuando el General Robert Gueï decidió ir a por él. Gueï que logró hacer caer la dictadura de Donan Bedié y que se había comprometido a “limpiar la casa” cayó finalmente en las manos de las multinacionales mafiosas y acabó dando la espalda a su pueblo. En su canción Le Balayeur (“El barrendero barrido”), Tiken cuenta las esperanzas que había depositado en este político que acabó repitiendo los mismos errores que sus precededores. El reggae lo salvó porque su música había creado lazos de amistad y de respeto que las manigancias maquiavelicas no pudieron erosionar. Cuando el Presidente decidió hacerle callar, Tiken recibía entonces en su casa, a muchos militares cercanos a la guardia presidencial entusiastas de su reggae, que se habían convertidos en amigos del artista. Son ellos quienes le aconsejaron varias veces no dormir en casa cuando sabían que emisarios le esperaban para pegarle, atraparle o matarle. Fueron ellos quienes le aconsejaron de salir del país para protegerle. Tanta suerte no tuvo su amigo, el comediante Camara H, asesinado en 2003 y cuya muerte nunca ha sido aclarada. Muchos amigos cercanos y familiares cayeron entonces.

Muy crítico con todas los movimientos politizados que intentan dividir a los africanos, TIKEN JAH FAKOLI nunca se ha cansado de luchar contra el absurdo concepto de “Ivoirité” (Raza Marfileña), en un país creado por los colonos franceses hace poco más de un siglo, concepto que los políticos del país intentan recuperar para excluir de la política y del país a los vecinos de otros países cuando la región siempre ha vivido muchos movimientos de poblaciones y mucho mestizaje. Sus orígenes Manding (Malinke-Bambara), tienen mucho que ver con este mensaje transfronterizo. El pueblo Manding reinó durante la Edad Media Europea desde el Sahara hasta las fronteras del Océano Atlántico y del Níger, ocupando los territorios del actual Mali, Senegal, Costa de Marfil, Gambia, Guinea, Mauritania. Fakoli es el nombre de un antepasado de Tiken Jah (del lado de su madre) quien contribuyó en la decisiva batalla de Karina (año 1235) a la caída del Rey de los Chamanes Soumaoro Kanté, depositado por Soudjata Keita quien fundió el pacífico Imperio Manding. La Historia es una parte importante de los textos y del mensaje de TIKEN JAH FAKOLI quien afirma “creo que si el pueblo africano tiene conciencia de su historia, de sus derechos y deberes, se podría defender mejor”. En 1999, firma un disco cuyo título es Lección de Historias.

La religión es otra de las plagas actuales de África que quiere desmitificar. De religión islámica, TJF rehuye de la manipulación de las religiones para dividir. En la canción Allah, sueña con una religión pacífica y de convivencia. Recuerda en sus entrevistas que las religiones monoteístas fueron una importación de la colonización que no puede impedir la coexistencia que siempre ha marcado la historia de los pueblos africanos. En la canción Le Pays Va Mal (“El país está mal”), explica: “Antes no había ni cristiano ni musulmán Pero ahora todo está jodido. Los estudiantes están divididos Los militares están divididos Los profesores están divididos, Hasta las madres en los mercados están divididos…”

Tiken Jah Fakoly nos ofrece una crónica acertada de la situación africana a través de una música reivindicativa y festiva. Sus bases de reggae, dub, soukouss, unen Jamaica con África y aciertan en un mensaje universal. Nos acerca a la realidad de un continente castigado y acorralado por las grandes multinacionales que perpetran otro modelo de esclavitud ahora económica. En Y’en A Marre (“Estamos Hartos”), canta: “Tras la abolición de la esclavitud, Han creado la colonización Cuando hemos encontrado la solución, Han creado la Cooperación, Pero como denunciamos la situación, Han inventado la globalización, Y sin entrar en explicar la globalización, Es Babilonia que nos explota”.

TIKEN JAH FAKOLY no es su verdadero nombre. Si FakolY es un homenaje a su antepasado Manding, y Jah, un apodo que le pusieron de niño porque siempre pedía que le tradujeran las letras de Bob Marley, Tiken es la deformación del apodo “Tieni” en el idioma Manding que significa “agitado” y que le había dado su padre por las razones que todos imaginamos.

En su séptimo disco Coup de Gueule (“Grito”), colaboran Magyd Cherfi (ex-cantante de ZEBDA) quien participa a la escritura de Tonton d’Amérique (Tío de América), Mouss y Hakim (ex-cantantes de Zebda) quienes participan a la canción Où Tu Veux Que J’aille (dedicado al actual presidente Laurent MGbagbo quien estampilló TJF como “persona non-grata” en su propio país), Didier Awadi (Padre de los padres del hip-hop senegalés) y Positive Black Soul. Los músicos que participaron en sus precedentes discos siguen presentes, y en particular la magia percusionista del trío Dunbar, Shakespeare y Cheng y los teclados reggae de Tyrone Downie.

TIKEN JAH FAKOLY nos contagia su combate y nos enseña la historia de su pueblo, muy a menudo ignorada por Europa y América cuyos gobiernos cual que sea su color político y su afán “social” no han dudado sin embargo en dirigir desde hace más de un siglo y medio el destino de varios centenares de millones de personas para controlar la riqueza de su suelo, favoreciendo la corrupción, el hambre, la tortura, la dictadura, la discriminación, la explotación, las violaciones, la privación de libertades fundamentales, la negación de su cultura ancestral, la manipulación y el enrolamiento de sus juventudes,… Y sino que pregunten en África por la herencia de un llamado socialista François Mitterrand y por el papel de su hijo.

“Podemos perdonar, pero no vamos a olvidar” TJF

TJF nos pregunta como uno puede saber a dónde ir, si no sabe de dónde procede. Sus textos no proponen soluciones sino buenas preguntas. La solución está en las manos de las juventudes africanas y si se lo proponen, pueden lograr la paz y la armonía. Si se levanta la juventud africana, pueden lograr cosas muy importantes vaticina en la última canción de su último disco TIKEN JAH FAKOLI, como señal de esperanza; “Ça va faire mal” (“Va a ser fuerte”).